“Collabs” zijn de nieuwe valuta tussen aspirant-fotografen en modellen die onder druk staan van hun inhoud. Beide partijen zijn op zoek naar scroll-stoppende beelden om aandacht te krijgen als ze opklimmen in hun respectievelijke industrieën. Wat gebeurt er als de foto’s niet aan de verwachtingen voldoen? Verwachten modellen te veel van groeiende fotografen die gratis fotograferen, of zijn het fotografen die hun vaardigheden ophemelen en niet waarmaken wat ze kunnen?
“Michelle, kan ik je bellen? Je zult dit niet geloven. Ik pak mijn popcorn en leun achterover terwijl mijn modellen en vrienden me bellen om te luchten. De verhalen die ik heb verzameld variëren van vermakelijk tot absurd. Het verhaal van vorige week ging over een fotograaf die zijn camera aan een kraan hing en probeerde een luchtopname te maken terwijl de wind de camera heen en weer blies boven zijn hoofd.
Ik probeer niet te lachen, ik weet dat het frustrerend is voor de aspirant-sterren. De waarheid is dat ik ooit zelf door het leerproces ben gegaan. Dat deden we allemaal. Tot op de dag van vandaag, in jaar 14 als full-time fotograaf, struikel ik en misluk ik soms in mijn ideeën. Dat is een deel van de groei.
Ik kijk terug naar mijn vroegere werk en huiver. Ik had geweldige ideeën en veel passie, maar ik miste veel belangrijke vaardigheden, die ik in de loop der jaren één voor één oppikte. Het is een proces, en we moeten door al die beginnersfouten heen om de beheersing van het vak te bereiken. In dit artikel zal ik de meest voorkomende grieven van modellen over het werken met beginnende fotografen uiteenzetten en tips geven om op elk gebied te verbeteren.
1. Wees persoonlijk en zorg dat het model zich op zijn gemak voelt
Dit was overweldigend het meest populaire antwoord in mijn enquête. De ene na de andere keer hadden modellen het over “onhandige” fotografen en hoe moeilijk het was om je op je gemak te voelen voor de camera als de fotograaf geen ontspannen en positieve ruimte creëerde. Modellen gaven aan dat wanneer de fotograaf geen ruimte creëert die comfortabel is, het voor hen problematisch is om hun beste werk af te leveren.
Tips
Met een paar eenvoudige stappen kunt u een goede sfeer voor de klant creëren.
- Speel muziek. Ik kies mijn afspeellijst op basis van het soort expressie dat ik uit het model wil halen. Muziek heeft een manier om de stemming meteen op te krikken en een ruimte een aanstekelijke energie te geven. Niet elke fotograaf is extrovert, en als je dat niet bent, is dit een geweldig hulpmiddel voor je. De muziek hoeft niet hard te staan of storend te zijn voor de omgeving waarin je werkt. Je kunt een afspeellijst starten en het model de telefoon in zijn achterzak laten steken terwijl je doorgaat met je shoot.
- Geef positieve feedback. Altijd. Ik zeg nooit negatieve feedback. De horrorverhalen die ik heb gehoord doen me ineenkrimpen. Als je onderwerp niet levert wat je wilt, is kritiek niet de manier om het te krijgen. Probeer hem op een positieve manier te benaderen: “Geweldig, ik heb daar een paar foto’s van. Laten we nu eens een andere aanpak proberen. Ik wil dat je…” Altijd op een positieve manier omleiden. Bovendien, als ze iets succesvols doen, zeg dat dan. “Oh, ik hield van die blik – zeer krachtig. Geef me meer van dat. Dit ziet er geweldig uit!” Je wilt het model kracht geven. Dat is hoe je hun beste werk zult krijgen.
2. Wees persoonlijk en zorg dat het model zich op zijn gemak voelt
Een ander thema dat de modellen herhaaldelijk naar voren brachten, was dat het bij beginnende fotografen vaak ontbreekt aan een uitgewerkt concept voor de shoot. Modellen gaven keer op keer aan dat ze zich in situaties bevinden waarin de fotograaf hen vraagt om richting en ideeën. Jasmine Nichole verwoordde het goed: “Amateurfotografen moeten een beter concept ontwikkelen. Als ze mij als eerste benaderen, moet ik niet ook de creative director zijn.”
In dezelfde lijn voegde KJ toe: “Maak je foto’s meer samenhangend. Iedereen kan een goede foto maken, maar samenhang vergt ervaring.”
“Heb een specifieke esthetiek voor je merk,” verklaarde Ann Neika, eraan toevoegend dat fotografen specifiek moeten werken met mensen die op één lijn liggen met hun esthetiek.
Tips
Een groot deel van de reis als fotograaf is het vinden van je stijl. Schilders maken dit proces ook door. We kennen allemaal de verwrongen kubistische portretten van Picasso, maar het eerste deel van zijn 79-jarige carrière omvatte de Blauwe Periode, de Roze Periode, de Afrikaanse Periode, neoclassicisme, surrealisme, en een hele reeks kunst die leest als een nieuwsgierig na-apende kunstenaar zonder richting. Een deel van het leren wat het meest “jou” voelt is dingen uitproberen. Het is een natuurlijk proces. Het nadeel is dat mensen niet weten wat ze van je kunnen verwachten. Een fotograaf die me volgt op Instagram vroeg me onlangs om een eerlijke kritiek op zijn werk. Hij had een aantal geweldige foto’s, slimme ideeën en een goede basis van vaardigheden. Wat hij niet had, was een duidelijke stijl. Nadat ik zijn positieve punten had toegejuicht, zei ik tegen hem: “Als ik erover denk om met je te werken, ben ik terughoudend. Als ik naar je portfolio kijk, weet ik niet zeker wat ik ga krijgen. Deze beelden vind ik prachtig, deze beelden vind ik echt niet mooi, en ik maak me zorgen over wat me geleverd zal worden.” Het kan zijn dat je nog steeds op zoek bent naar je unieke esthetiek, maar zelfs in dat proces moet je elke shoot opzettelijk aanpakken. Heb een vastomlijnd idee, een specifieke stijl, en een geschetste look die je wilt bereiken.
3. Wees persoonlijk en zorg dat het model zich op zijn gemak voelt
Schaduwen is tegenwoordig trending. Van de pagina’s van modetijdschriften tot de feeds van sportmerken, schaduwen staan in de schijnwerpers.
Het is echter niet zo makkelijk als het lijkt. Veel modellen hebben laten weten dat ze in ongelijkmatige belichting worden geplaatst, om vervolgens foto’s te ontvangen met willekeurige hot spots en slecht geplaatste schaduwen.
Tips
Schaduwen zijn een geweldig concept om mee te spelen, maar zoals bij alle elementen van design, moet je ze strategisch gebruiken. Hier zijn een paar tips om op te bergen.
- Gebruik de highlights als een brandpunt van belang in de compositie. Plaats highlights en schaduwen niet willekeurig. Plaats je model zo dat het lichtpunt op het punt van belang valt.
- Belicht voor hooglichten. Als je een foto overbelicht, heb je geen pixels om te herstellen. Als je fotografeert, belicht dan altijd voor de hoge lichten, en als het nodig is, kun je de schaduwen gemakkelijk oplichten in de nabewerking.
- Je kunt nog steeds licht toevoegen. Zelfs als je speelt met natuurlijk voorkomende schaduwen, is het contrast soms te sterk. Probeer met een reflector wat invullicht toe te voegen, terwijl je toch met de schaduw blijft spelen.
4. Wees persoonlijk en zorg dat het model zich op zijn gemak voelt
To show or not to show: dat is de vraag. Ik ben zelf door de jaren heen heen heen en weer geslingerd over deze kwestie. Er is een zekere onzekerheid die wij als fotografen met ons meedragen over het tonen van onvoltooid werk. Kijkers begrijpen het proces niet altijd.
Ik was eens bij een food shoot waar we werkten aan een hoog contrast, harde schaduw, redactioneel eten op een wit tafelkleed. De marketing liaison van het restaurant zat boven me en zei meerdere keren, “dat lijkt te donker.” Ik legde haar uit dat te hoge lichten niet te herstellen zijn, en dat het essentieel was de hoge lichten te belichten en de schaduwen in de nabewerking lichter te maken. Ze kon het gewoon niet loslaten. Modellen kunnen zich ook schuldig maken aan muggenziften. Als fotografen voelen we ons beschermend tegenover ons werk. We willen er niet op beoordeeld worden als het nog niet af is. Al deze rationalisaties overeind houdend, heb ik de overstap gemaakt om klanten toe te staan mijn werk te zien terwijl ik aan het fotograferen ben. Hoe huiverig ik ook ben om onvoltooid werk te laten zien, ik weet dat de meeste van mijn modellen echt baat hebben bij die feedback.
Tip
- Voordat ik een model een scroll-through laat zien, dek ik hun verwachtingen af: “Een succesvolle fotoshoot betekent dat je één op de 20 foto’s mooi vindt. Vijf zal je haten, een dozijn zal middelmatig zijn, en één zal geweldig zijn.” Dit helpt hun verwachtingen in te tomen voordat je de camera omdraait.
Nu we de meest voorkomende klachten van modellen hebben doorgenomen, gaan we terug naar de oorspronkelijke vraag: Verwachten modellen te veel van groeiende fotografen die gratis fotograferen, of zijn het fotografen die hun vaardigheden ophemelen en niet leveren? Dit is een lastige vraag. Ik geloof dat er ruimte moet zijn voor fotografen in de groei om te leren en te oefenen, zelfs nog meer als ze gratis fotograferen. Ook de frustratie van modellen die vrij nemen van hun werk om samen te werken is gerechtvaardigd; zij hebben het recht om een bepaald niveau van bekwaamheid te verwachten. Een model vertelde me onlangs over een samenwerkingssessie waarbij beide partijen de kosten van de twee uur durende studiosessiehuur deelden, maar de fotograaf, die weinig ervaring had met off-camera belichting, een uur en twintig minuten nodig had om de belichting juist te krijgen. Ik denk dat de bijdrage van Thurman Brown treffend is: wees eerlijk over je capaciteiten als je aan de shoot begint.
Wat zijn jouw gedachten? Laat jij beelden zien terwijl je fotografeert? Als je je identificeert als een opgroeiende fotograaf die worstelt met sommige van deze punten (het is oké, dat hebben we allemaal), moet je dan de ruimte krijgen om te leren en te falen? Als je een model bent, wat is dan jouw standaard waaraan fotografen zouden moeten voldoen, ongeacht het prijskaartje dat aan hun tijd hangt?
Het beste deel van de artikelen is in de commentaren hieronder! Ik zou graag je gedachten horen.