In de afgelopen decennia hebben ’s werelds beroemdste modefotografen de weg vrijgemaakt en deze industrie gedefinieerd met hun eigen stijl en visie. Als je een aspirant-modefotograaf bent, is het belangrijk om te leren van iconische modefotografen. Niet alleen zal hun werk je inspireren, maar het zal je ook enorme kennis en inzicht geven in dit creatieve veld.
Hier is onze lijst van de 20 beroemdste modefotografen en wat we van hen kunnen leren!
20 beroemde modefotografen
1. Richard Avedon
Richard Avedon, een Amerikaanse mode- en portretfotograaf die in 1944 begon als reclamefotograaf, werd al snel uitgezocht door individuen in de mode-industrie.
Avedon wordt beschouwd als een pionier van de modeniche, met werken die zowel tijdloos als herkenbaar zijn. Zozeer zelfs, dat zijn New York Times overlijdensbericht luidde: “zijn mode- en portretfoto’s hielpen amerika’s beeld van stijl, schoonheid te definiëren, en cultuur voor de laatste halve eeuw.“
Werken die Avedon in de schijnwerpers brachten, waren beroemdheden zoals Gloria Vanderbilt, Bob Dylan, Bianca Jagger, Marilyn Monroe en nog veel meer. Van Kate Moss en Aya Thorgren voor Versace tot Audrey Hepburn voor Maxim’s Paris, zijn modecampagnes blijven enkele van de meest iconische beelden ter wereld.
Gerelateerd bericht: Beroemdste fotografen aller tijden
Avedon zei ooit: “Mijn portretten gaan meer over mij dan over de mensen die ik fotografeer.” Het werk van Avedon is dan ook onmiskenbaar. Zijn beelden zitten vol emotie, persoonlijkheid en beweging. Al met al, als je naar het werk van Avedon kijkt, voel je je verbonden en gedwongen door wat hij heeft gemaakt.
Dit beschrijft perfect wat we van hem kunnen leren als modefotograaf. In plaats van je alleen te concentreren op wat je onderwerp naar het beeld brengt, moet je nadenken over hoe je je identiteit in je werk kunt laten zien. Gebruik je onderwerp als een leeg canvas en leg een afbeelding vast die een weerspiegeling is van wie je bent.
2. Helmut Newton
Newton, geboren in 1920 in Berlijn, Duitsland, was een Australisch-Duitse fotograaf.
Als modefotograaf bleef Newton maatschappelijke grenzen verleggen, koos hij voor meer erotische beelden en legde hij naaktheid vast. Desondanks werd het werk van Helmut Newton regelmatig gepubliceerd in publicaties zoals Modeonder andere.
Enkele van zijn herkenbare modebeelden zijn Le Smoking voor Yves Saint Laurent, Janice Wakely voor Australian Wool Board, How to Make Fur Fly voor de Britse Vogue, David Lynch en Isabella Rossellini, en nog veel meer.
Newtons werk tartte de conventionaliteit. Hij heeft nooit op veilig gespeeld. In plaats daarvan creëerde hij beelden die grenzen testten en de wereld provoceerden. Door naaktheid, seksualiteit en vrouwelijkheid op te nemen, toonde Newton vrouwen in een bevrijdend licht en herdefinieerde hij de standaard van modellen. Zijn zwart-witbeelden zijn complex en mooi – net als zijn onderwerpen.
Van hem kunnen we leren dat het met modefotografie oké is om risico’s te nemen. Daarmee bedoelen we dat het oké is om over gestelde grenzen heen te gaan. Je moet altijd je eigen stijl hebben. Hij leert ons ook dat rand en stemming het hele concept van een beeld kunnen veranderen. Door ons uit te dagen voorbij de eenvoud van onze onderwerpen te kijken, kunnen we een foto vinden die de moeite waard is om te maken. Een momentopname met een emotie die het waard is om door ons visuele gezichtspunt te knutselen.
3. Edward Steichen
Edward Steichen, vaak aangeduid als de ware eerste pionier van de moderne modefotografie, leefde van 1879-1973, maar zijn escapades in de modefotografie kwamen echt in de schijnwerpers in de jaren 1920. Nadat hij door Lucien Vogel (de uitgever van Jardin des Modes en de Gazette du Bon Ton) was aanbevolen aan Paul Poiret, fotografeerde hij de baljurken van de ontwerper op zo’n prachtige manier dat het hem een rol als hoofdfotograaf bij Mode en Vanity Beurs.
Die baljurkbeelden werden het eerste echte voorbeeld van modefotografie zoals we er vandaag de dag over denken, waardoor hij een echte visionair in het genre is. Gedurende zijn indrukwekkende carrière veroverde Steichen beroemdheden zoals Greta Garbo, Marlene Dietrich, Gloria Swanson en meer.
Van Steichen kunnen we leren om beïnvloed te worden door de kleding zelf, zodat de stukken die we vastleggen hun eigen leven hebben in dee afbeelding. Steichen richtte zich sterk op het laten vastleggen van de toga’s van Paul Poiret op zo’n manier dat ze hun ware elegantie en fysieke gevoel uitbeelden.
4. Tim Walker
Tim Walker is een fotograaf die de definities van modefotografie pusht en kiest voor meer surrealistische beelden. Hij fotografeert regelmatig voor tijdschriften zoals Mode, Wen Liefde.
Enkele van zijn meest memorabele foto’s zijn onderwerpen als Elizabeth Moses, Codie Young, Karen Elson en Edie Campbell.
Walkers beelden zijn gemarkeerd met een verhoogd gevoel voor verbeelding en grilligheid. Met andere woorden, zijn werken vertegenwoordigen een alternatieve kijk op de wereld. Eentje die ons een gevoel van nostalgie en nieuwsgierigheid geeft. Het ongewone karakter van Walkers beelden geeft ons een belangrijk leermoment. We mogen niet bang zijn om grotere, vreemdere en complexere beelden te produceren.
Zijn werk vertegenwoordigt creativiteit op zijn best. En dit is iets dat ons zou moeten inspireren om erop uit te gaan en foto’s te maken die de grenzen tarten. Walker laat ons zien dat visie wordt beloond in de fotografiewereld.
5. Steven Meisel
Steven Meisel, geboren in 1954, is een Amerikaanse modefotograaf. Bekend om zijn beelden voor zowel de VS als het Italiaans Mode evenals foto’s van Madonna in haar boek, Geslacht. Tijdens zijn carrière heeft hij gewerkt met namen als Naomi Campbell en Laura Mercier. Zijn talrijke covers voor Mode en W magazine heeft hem een plek opgeleverd als een van de beroemdste modefotografen, vandaag.
In zijn modebeelden is Meisel niet alleen creatief, maar ook conversatief. Hij wil beelden vastleggen die een hogere betekenis hebben. Hieruit leren we dat we modefotografie kunnen gebruiken als uitlaatklep voor expressie. We kunnen de aandacht vestigen op grotere ideeën en oorzaken. En in feite onze beelden gebruiken als een katalysator voor bewustzijn.
Hij dwingt ons te begrijpen dat modefotografie meer is dan alleen schoonheid en glamour. Maar het gaat om de manier waarop we onze samenleving en cultuur begrijpen en ervaren.
6. Patrick Demarchelier
Patrick Demarchelier is een Franse modefotograaf die meer strakke beelden van zijn modeonderwerpen vastlegt, zowel in de studio als op straat. Zijn stijl is zeer schoon en helder, met aandacht voor compositie en kadrering. Hij begrijpt echt hoe hij zijn onderwerpen creatief kan vastleggen.
Het is duidelijk dat de stijl van Demarchelier veelzijdig is. Hij begrijpt hoe hij zijn onderwerp zowel in de studio als op locatie en in de samenleving kan vastleggen. Demarcheliers foto’s zijn een voorstelling van woeste vrouwen met schoonheid en gratie. Door portretten en full-body composities te mengen, zijn zijn spreads een weergave van het redactionele ontwerp. Zijn werk is de perfecte mix van zowel stemming als stijl – waardoor hij een modefotograaf is die erkenning en lof verdient.
Uit het werk van Demarchelier kunnen we leren hoe we de best mogelijke modespreiding kunnen vastleggen en creëren. Dit omvat het maken van aantekeningen van zijn perspectief, montage en framing. Hierdoor kunnen we de stijl van de hedendaagse tijdschriften begrijpen.
7. Irving Penn
Na de Tweede Wereldoorlog zorgde Irving Penn voor een revolutie in de Amerikaanse modefotografie, samen met fotografen zoals Richard Avedon. Zijn camerawerk deed een verbluffende job van het vastleggen van echte vrouwelijke stijl en glamour fotografie zoals we er vandaag de dag over denken. Naast mode verwierf Penn ook bekendheid door commerciële stillevenbeelden vast te leggen en een modernistisch tintje toe te voegen aan alledaagse onderwerpen zoals eten. Als gevolg hiervan heeft Penn de eerste Vogue Magazine omslag met een uitsluitend stillevenonderwerp.
Penn heeft een artistieke achtergrond en heeft verschillende media bestudeerd, zoals tekenen, schilderen, grafiek en meer. Deze goed afgeronde artistieke kennis droeg aantoonbaar bij aan Penn’s prachtige composities en unieke fotografische takes. Van Irving Penn kunnen we de waarde van compositie leren; hoe u uw afbeelding rangschikt, heeft een enorme impact op degene die de foto bekijkt.
8. Paolo Rovers
De Italiaanse fotograaf Paolo Roversi tilt het bijvoeglijk naamwoord ‘dromerig’ naar een heel nieuw niveau met zijn modefotografie. Na in 1970 in de industrie te zijn begonnen met het documenteren van nieuwswaardige gebeurtenissen, ontmoette Roversi via dit pad een groot aantal beroemdheden en bleef hij verbindingen te bevorderen.
Na het ontdekken van de werken van Avedon, Bourdin en andere ongelooflijke nietjes van de modefotografie-industrie, raakte Roversi geïnspireerd. Dit leidde tot een fantastische carrière die tot op de dag van vandaag voortduurt!
Paolo Roversi’s modefotografie is zeer schilderkunstig en mystiek van stijl. Het gebruik van kleur en textuur is zeer prominent, waardoor een zeer traditioneel kunstkarakter aan de werken wordt toegevoegd. Roversi’s werk inspireert ons om de wereld door onze eigen persoonlijke lens te bekijken en onze foto’s als individuen te definiëren.
9. Peter Lindbergh
Als je aandacht had voor de mode- en entertainmentindustrie van de jaren ’90, zul je waarschijnlijk snel de werken van Peter Lindbergh herkennen. Deze Duitse fotograaf was de eerste die echt verhaalachtige verhalen introduceerde in modefotografie, waarbij hij doordrong op wat de term ‘redactioneel’ echt betekent.
Wereldberoemde modellen zoals Naomi Campbell, Christy Turlington en Cindy Crawford bevonden zich voor de lens van Peter, vastgelegd in fotografie die vandaag de dag nog steeds iconisch is. Lindbergh leende zijn talenten uit aan tijdschriften als Vanity Beurs, Lokken, Rolling Stoneen De New Yorker.
Veel van Lindberghs foto’s waren in het zwart-witgenre, waardoor de kijker zeer aandachtig moet zijn voor het onderwerp en de vorm in plaats van afgeleid te worden door kleur. Hij weigerde veel retouchering of bewerkingen aan zijn beelden te doen, veel van de foto’s zijn zo natuurlijk als ze komen. Als zodanig wordt Lindbergh vaak aangehaald om de natuurlijke look in glanzend formaat te hebben bedacht.
Van Lindbergh kunnen we niet alleen de prachtige manieren leren om een verhaal naar een redactioneel artikel te brengen, maar ook hoe we alles wat we willen zeggen direct in de camera kunnen vastleggen – zonder de noodzaak van overmatig retoucheren.
10. Bruce Weber
Als we aan modefotografie denken, denken de meeste mensen aan de fotografen die vrouwen met schoonheid en gratie vastleggen. Maar hoe zit het met de mannen? Bruce Weber is een modefotograaf wiens foto’s voor het eerst werden gevonden in GQ Magazine in de jaren 1970.
Hij had een zeer herkenbare Americana-achtige manier om mannen in de mode vast te leggen, een look die tegenwoordig vaak wordt nagebootst. Je kunt Weber bedanken voor de manier waarop mannen tegenwoordig worden gevangen, omdat hij echt het idee naar voren bracht om mannen met veel huid in hun moderedacties te laten zien. Calvin Klein, Ralph Lauren en Abercrombie &Fitch zijn allemaal klanten van hem.
Van Weber kunnen we zeker niet alleen zijn manier wegnemen om mannen vast te leggen in modefotografie, maar ook het idee dat alleen omdat iets nog niet eerder is gedaan … betekent niet dat het niet moet! Zijn mannenportretten waren behoorlijk controversieel, maar leidden er al snel toe dat Weber een van de beroemdste modefotografen ter wereld werd – met een stijl die doorgaat in de dagelijkse mannenmodefotografie.
11. Nick Ridder
Met modeontwerpers die voortdurend de grenzen verleggen, zoals Alexander McQueen en Christian Dior, zouden hun fotografen hetzelfde moeten doen. Nick Knight is een Britse fotograaf die grenzen heeft getest en deze vaak heeft doorbroken in zijn fotografiewerk, met deze moed en drive geëerd door ontwerpers, universiteiten en de uitgever die naar zijn werk kijkt.
Veel van zijn werk daagt de “conventionele noties van schoonheid” enorm uit door foto’s te produceren die commentaar leveren op de moeilijke maatschappelijke onderwerpen van racisme, ageism en nog veel meer.
Knights werk is fascinerend, mooi en soms als ongemakkelijk beschouwd. Maar vaak is het uitdagen van onze vooropgezette ideeën ongemakkelijk, maar ook zeer noodzakelijk om vooruitgang te boeken. Van Nick Knight kunnen we zijn passie wegnemen om conventies te willen veranderen en zijn kunstwerken gebruiken om commentaar te leveren op de wereld, echt bewijzen hoe belangrijk kunstwerk is om een boodschap over te brengen.
12. David LaChapelle
Het is moeilijk om de term ‘modefotografie’ uit te spreken zonder ook de Amerikaanse fotograaf David LaChapelle te noemen. Vaak beschreven als de vader van het “kitsch pop surrealisme”, maakte LaChapelle’s kleurrijke en intrigerende modefotografie hem een van de meest gemakkelijk herkenbare fotografen, zelfs voor degenen die weinig tot geen interesse in mode of fotografie delen.
Ondanks dat hij een van de meer actuele fotografen op onze lijst is, zou zijn bekendheid het gevoel geven dat hij een modefotograaf is sinds het begin van het genre zelf.
LaChapelle ontdekte fotografie al heel vroeg op na een foto van zijn moeder. Kunstenaar Andy Warhol merkte Davids talent op en gaf hem de kans om voor Interview Magazine. Dit was de katalysator in David die ontdekte wie hij was als fotograaf en doorging naar gewaardeerde rangen voor zijn unieke, bizarre, “hyperrealistische en sluw subversieve” stijl. Je kunt ook enkele van zijn andere interesses, waaronder geschiedenis, in zijn werk zien.
Van David LaChapelle kunnen we zeker leren dat er geen grenzen of grenzen zijn aan wat je kunt creëren!
13. Annie Leibovitz
Annie Leibovitz, iemand die actief is in onze huidige tijd, is een Amerikaanse portretfotograaf. Ze staat bekend om haar portretten van beroemdheden en werkt met verschillende high fashion tijdschriften waaronder Vanity Beurs. Momenteel geeft ze ook educatieve workshops en lessen, waarbij ze haar levenspassie doorgeeft aan aspirant-fotografen.
Beelden die haar definieerden als modefotograaf zijn onder andere Kate Moss voor Mode, Donatella Versace, Demi Moore en meer.
Iedereen wil foto’s kunnen maken en vastleggen zoals Annie Leibovitz. Zozeer zelfs, dat jonge fotografen jarenlang hebben geprobeerd haar stijl na te bootsen. Maar ondanks deze drang naar gelijkenis is het belangrijkste dat we uit Leibovitz’ werk kunnen halen het streven naar originaliteit. Haar kunst leert ons dat het mogelijk is om je eigen stem en identiteit te vinden via je onderwerpen. En dat wat er ook gebeurt, je eigen representatie elke vorm van imitatie zal overtreffen.
14. George Hoyningen-Huene
Met zo’n briljant spel op licht en schaduw was George Hoyningen-Huene een fotograaf wiens werk de prachtige jaren 1920 en 1930 verlichtte. In zijn vroege jaren 20 verhuisde de in Rusland geboren Hoyningen-Huene naar Parijs, waar hij Man Ray ontmoette – een ontmoeting die leidde tot een geweldige carrière. Met Man Ray creëerde Hoyningen-Huene een indrukwekkend portfolio van modefotografen dat werd opgemerkt door enkele van de meest invloedrijke mensen in de industrie.
Verhuizen naar Parijs had ook een impact, want deze beslissing gaf Hoyningen-Huene de kans om als eerste de specifieke stijl van de haute couture modehuizen van Parijs vast te leggen. Je kent misschien veel van deze modehuizen zoals Chanel, Balenciaga en Cartier. Daarna klom hij op tot hoofdfotograaf van Vogue. Na zijn verhuizing naar New York City in 1935 werd Hoyningen-Huene voor Harper’s Bazaar.
Zijn foto’s zijn zwart-wit en perfect elegant, waarbij hij schaduwen en hooglichten gebruikt om zijn onderwerpen tot leven te brengen. Veel van zijn werken kunnen worden vergeleken met Griekse figuren, fotograferend vanuit enigszins verhoogde gezichtspunten. Van Hoyningen-Huene kunnen we leren hoe belichting de opname beïnvloedt, waarbij we licht en donker gebruiken om onze onderwerpen van hun achtergrond te scheiden.
15. Man Ray
Na Man Ray hierboven te hebben genoemd, is het tijd dat we wat meer over hem praten. Hoewel het geen conventionele modefotograaf is in de letterlijke zin van het woord, is Man Ray een fotograaf die zijn hand had in het inspireren van een veelheid aan fotografische genres.
De vader van het fotografie surrealisme, Man Ray nam een soort kunst die ooit was gereserveerd voor schilderen, tekenen en beeldhouwen en paste het aan voor fotografie en film. Sommige van de modefotografen op onze lijst hadden hun eigen ontmoetingen en omgang met Man Ray die aanzienlijk hebben bijgedragen aan hun carrière!
Hoewel zowel zijn carrièregeschiedenis als zijn Dada- en surrealistische fotografie een roman kunnen omvatten (en dit is tenslotte een modeartikel), laten we ons concentreren op de modekant van zijn werk. Modehuizen zoals Chanel, Balenciaga, Schiaparelli en Lanvin vonden allemaal een grote interesse in man ray’s ongewone manier van kijken naar de wereld.
Man Ray heeft een zeer specifieke esthetiek en idee voor zijn werk, dat hij kon overbrengen naar zijn schilderijen, fotografie, collage, films en meer. Door de carrière van Man Ray kunnen we geïnspireerd worden door zijn eigen waarheid. Het maakte niet uit met welk medium hij werkte, Man Ray creëerde altijd werk dat zo uniek eerlijk tegen hem was dat je kon vinden wat van hem was door alles wat gemaakt was.
16. Lee Molenaar
Onze lijst bevat niet veel vrouwelijke fotografen, maar van degenen die het wel doet, zijn ze uiterst invloedrijk. Welkom op het podium Lee Miller, een uitstekende vrouwelijke modefotograaf die bekend staat als een van de belangrijkste modefotografen van de 20e eeuw! Vanity Beurs ging zelfs zo ver dat ze haar een of de “meest vooraanstaande levende fotografen” in hun tijd.
Miller was uniek in hoe ze modefotografie deed – haar zelfportretten in de mode brachten haar op een toppositie in het echelon van ongelooflijke fotografen. Na zelf model te zijn geweest in de jaren 1920, eenmaal verhuisd naar Parijs, had Miller besloten om modefotograaf en fotojournalist te worden. Tijdens de Tweede Wereldoorlog werd ze oorlogscorrespondent voor Mode.
Miller had als doel om in de leer te gaan bij Man Ray nadat hij naar Parijs was verhuisd, en toen hij eenmaal overtuigd was om haar aan te nemen, hadden de twee een romantische persoonlijke relatie. In die tijd hadden hun individuele stijlen de neiging om in elkaar over te lopen, maar toen Miller ray en Paris in 1932 had verlaten, opende ze haar eigen studio.
Met haar leven als fotomodel, daarna modefotograaf, haar oorlogscorrespondentie fotografie voor Mode liet zien hoe de oorlog vrouwen beïnvloedde. Door deze lens legde ze de effecten van wereldgebeurtenissen op het leven van vrouwen vast en documenteerde zelfs daarna hoe mode zich verzette en de onmogelijke geest belichaamde.
Lee Miller wordt gemakkelijk gezien als een belangrijke inspiratie voor vrouwelijke fotografen over de hele wereld, wat bewijst dat je eigen persoonlijke ervaring de lens kan vormen die je gebruikt om foto’s te maken.
17. David Bailey
De Swingin’ 60s was een wilde tijd in de menselijke geschiedenis, en de Britse fotograaf David Bailey was er om het van boven naar beneden vast te leggen! Beroemd geworden door zijn portretten van zijn frequente onderwerp en muze Jean Shrimpton. Terwijl hij zijn tijd doorbracht bij de Royal Air Force, begon Bailey een gepassioneerde interesse te wekken in de fotografie van Henri Cartier-Bresson. Deze kleine kriebel van inspiratie beïnvloedde Bailey’s fotografische werk en duwde hem uiteindelijk om in 1960 in de wereld van de modefotografie te stappen.
Zijn high key en zeer contrasterende fotografiestijl werd wereldberoemd, iets dat je ook vandaag de dag nog steeds vrij vaak kunt vinden. Beroemdheden zoals The Beatles, Andy Warhol, Mick Jagger en nog veel meer verschenen voor Bailey’s lens, evenals zijn spraakmakende huwelijken.
Bailey’s fotografiewerk met zeer hoog contrast is een moeilijke maar prachtige stijl op zich, en we kunnen leren hoe we contrast effectief kunnen gebruiken in ons werk door zijn fotografie te bestuderen.
18. Mario Testino
Als u zich de Vanity Beurs omslagfoto’s van prinses Diana, dan ben je blootgesteld aan het werk van de Peruaanse modefotograaf Mario Testino. Testino begon zijn carrière door zijn deuren te openen om aspirant-modellen te helpen bij het ontwikkelen van fotografieportfolio’s voor slechts een paar pond per stuk (nadat hij zich in Londen had gevestigd), wat de aandacht trok van tijdschriften met oog voor talent. Dit leidde tot een levenslange onderneming in de mode-industrie als fotograaf.
Veel van Testino’s modewerk voelt ongedwongen en spontaan aan, als een lifestyle-beeld. Een zeer beroemde serie van hem straalt dit gevoel perfect uit, de Towel Series met Kate Moss. De sessie zelf was echt onbedoeld, hij zag Kate Moss op de set zitten gewikkeld in handdoeken en hij zag de schoonheid in zo’n eenvoudig ding.
Wat we kunnen leren van het werk van Mario Testino is dat mode niet altijd ingewikkeld hoeft te zijn, je kunt een mooi beeld voortbrengen uit de meest eenvoudige dingen.
19. Roxanne Lowit
Soms worden fotografen net zo goed beroemdheden als de echte beroemdheden die ze fotograferen! De New Yorkse fotografe Roxanne Lowit is zo’n entiteit in de modefotografiewereld. Met een portfolio van werk dat openhartig, waar en verhalend is, heeft Lowit zoveel wilde capriolen van de modescene vastgelegd gedurende haar indrukwekkende carrière. Zozeer zelfs, dat er genoeg boeken zijn die uitsluitend uitgaan over de backstage-capriolen die ze voor de camera heeft vereeuwigd.
Lowit is eigenlijk nooit van plan om fotografie te doen, ze studeerde textielontwerp en kunstgeschiedenis aan het Fashion Institute of Technology in New York. Het was door haar werk met textiel dat er een openbaring bij haar opkwam die Lowit in de wereld van de modefotografie duwde. Na het fotograferen van haar eigen ontwerpen op de catwalk en modeshows, begon haar lange Rolodex van designer- en modelcontacten contact met haar op te nemen en vroeg haar hetzelfde voor hen te doen. Voor ze het wist, Vanity BeursFrans Elle, V Tijdschriften Prestige allen begonnen met het publiceren van haar fotografiewerk.
Lowit leert ons dat gewoon omdat iets was niet perfect gepland, betekent niet dat het niet kon gebeuren – wat waar is in zowel het openhartige karakter van haar backstage-modebeelden als in haar eigen carrière. Omdat ze aanvankelijk geen modefotograaf wilde worden, belandde de carrière enigszins in haar schoot.
20. Cecil Beaton
Soms kun je jezelf in de modefotografie belanden zonder zelfs maar actief te proberen die niche na te streven. Fotograaf Cecil Beaton deelde zijn werk als societyfotograaf met de wereld tijdens een solotentoonstelling in Londen in 1926, waarbij Mode swooped hem recht omhoog en hield hem als hun fotograaf voor 30 jaar!
Glamour en high society beïnvloedden Beaton’s modefotografiewerk, waardoor hij ook een positie kreeg als hoffotograaf voor de Britse koninklijke familie. Zijn passie voor mode (geen rijm bedoeld!) gaf deze getalenteerde fotograaf ook de kans om decor- en kostuumontwerp te doen voor beroemde films.
Beaton’s werk omvat echt de elegantie, het vertrouwen en de houding van de high society in Europa – met prachtige lijnen en kinnen hoog gehouden. De decorontwerpen spelen zwaar met leidende lijnen en compositie, waardoor modefotografie een beeld wordt waarin elk element een sleutelrol speelt. We kunnen leren over stylingfoto’s van Cecil Beaton, want elk rekwisiet in elke opname is perfect afgestemd op die opname.
Inspiratie opdoen bij de beroemdste modefotografen
Zoals je kunt zien, hebben deze fotografen de modewereld gedefinieerd met hun unieke visie en creativiteit. Van gepubliceerde editorials tot reclamecampagnes, hun werk wordt over de hele wereld bewonderd.
Door hun werk te analyseren en beter te begrijpen, kunnen ook wij een paar belangrijke tips leren over hoe we onze afbeeldingen kunnen verheffen en creatieve, succesvolle modefotografen kunnen worden.
Als Amazon Associate verdienen we aan in aanmerking komende aankopen. Bepaalde inhoud is dagelijks “as is” van Amazon geleverd en kan op elk moment worden gewijzigd of verwijderd.